Η αναδημιουργία μιας κλασικής ταινίας είναι σαν να βάζετε το παιδί σας για υιοθεσία. Θα πρέπει να το κάνετε μόνο εάν χρειάζεστε απόλυτα μετρητά και ακόμη και τότε είναι τραγωδία. Ελπίζουμε ότι ο σαρκασμός εδώ είναι αυτονόητος, όπως και η απληστία των σύγχρονων στούντιο όσον αφορά τη θυσία των κινηματογραφικών μας αναμνήσεων υπέρ του πανίσχυρου δολαρίου.
Θα φτύγατε σε ένα Van Gogh; Επεξεργασία Faulkner; Τάμε Τσαϊκόφσκι; Εάν η απάντησή σας δεν είναι τίποτα άλλο παρά ένα ηχηρό "ΟΧΙ", τότε προσευχηθείτε για συγχώρεση. Θυμηθείτε: κάνοντας τις λεπτότερες αλλαγές στον τόνο του Yoda στην επανακατεστημένη συλλογή Star Wars έκανε τον George Lucas ως παριά, οπότε ας είναι μια προειδοποίηση για το Χόλιγουντ: παραμένεις σχετικός και ουσιώδης για τον πολιτισμό και την πολιτική λόγω της δημιουργικότητάς σου. Συνεχίστε να εξουδετερώσετε αυτόν τον πόρο και αντισταθείτε στον πειρασμό να αναδιαμορφώσετε το ιερό έδαφος. Είναι προς το συμφέρον σας να αφήσετε τους αληθινούς πολύτιμους λίθους της κινηματογραφικής ιστορίας στη συλλογή κριτηρίων, στο Smithsonian και στο εθνικό μητρώο ταινιών των ΗΠΑ
Έχουμε ήδη καλύψει 10 ταινίες, το Hollywood Will Remake αναπόφευκτα, αλλά εδώ είναι η λίστα με τις 10 ταινίες που το Hollywood δεν πρέπει ποτέ να ξαναδημιουργήσει:
Έφυγε με τον άνεμο (1936)
Η προσαρμογή του μυθιστορήματος της Margaret Mitchell το 1936 απαιτούσε ένα επίπεδο αφοσίωσης και μεγαλειότητας που δεν είχε βιώσει ποτέ το Χόλιγουντ. Με πολλούς τρόπους, το Victor Fleming’s Gone With the Wind έγινε το χρυσό πρότυπο για την επική ταινία. Δεν αφήνει καμία πέτρα με το σαρωτικό όραμά της για τον νότιο του αντιβελώματος στο πρώτο ημίχρονο, και την απόλυτη καταστροφή των αντιπαραθέσεων της Αμερικής και τις προσπάθειες ανοικοδόμησης στο δεύτερο, η ταινία του 1939 αφήνει μια εντύπωση που είναι δύσκολο να ταρακουνήσει.
Ο Vivien Leigh, ο Clark Gable και ο Hattie McDaniel έδωσαν μερικές από τις πιο αξέχαστες παραστάσεις της εποχής τους, γεμίζοντας την οθόνη με έντονες αντιθέσεις του υδραυλικού συναισθήματος, της αρρενωπότητας και του ειρωνικού χιούμορ. Συνοδευόμενος από το σκορ του Max Steiner, το Gone With the Wind πυροβόλησε σε όλους τους κυλίνδρους. Θα μπορούσε να αναδιαμορφωθεί σήμερα; Μόνο στο όνομα.
8 Καζαμπλάνκα (1942)
Τρία χρόνια μετά την επιτυχία του Gone With the Wind, το σύστημα στούντιο του Χόλιγουντ έτρεχε μαζί με την εμπορική του παραγωγή ταινιών. Είχαν μια φόρμουλα που λειτούργησε. Όταν η Καζαμπλάνκα κατέβηκε ως μια προσαρμογή του μη παραγόμενου παιχνιδιού, Everybody Comes to Rick's, τέθηκε στη γρήγορη λωρίδα παραγωγής για να συλλάβει τον zeitgeist του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου κατά τη διάρκεια της συμμαχικής εισβολής στη Βόρεια Αφρική.
Η κυκλοφορία της ταινίας αποδείχθηκε υπέροχα χρονικά, και ενώ η Καζαμπλάνκα απολάμβανε υπέροχες επιστροφές στο box office και θετική αντίδραση από τον Τύπο, συνδέθηκε με τη συνείδηση του κοινού πολύ μετά το αρχικό της ντεμπούτο. Χάρη σε ένα υπερβατικό σενάριο που προσφέρει αξέχαστες γραμμές για κάθε σκηνή της ταινίας, το δράμα του σκηνοθέτη Μάικλ Κέρτιτς εν καιρώ πολέμου παραμένει μια από τις πιο διακριτικά ρομαντικές ταινίες που έχουν δημιουργηθεί ποτέ. Ο Χάμφρι Μπογκάρτ και ο Ίνγκριντ Μπέργκμαν σκοτώνουν την οθόνη. Οι εικόνες, η μουσική και ο τόνος μοιάζουν σχεδόν με όνειρα και κάθε φορά που ολοκληρώνετε την παρακολούθηση της Καζαμπλάνκα, θέλετε να το παίξετε ξανά.
7 Citizen Kane (1941)
Ο Orson Welles ήταν μόλις 26 ετών όταν σκηνοθέτησε τον Citizen Kane, ρίχνοντας μια ωριμότητα και σοβαρότητα στην ταινία που λίγοι σκηνοθέτες από τότε ταιριάζουν. Ένας ένθερμος άντρας του θεάτρου, ο Γουέλς πέρασε τις αρχές της δεκαετίας του '20 αφιερωμένος στη σκηνή παρά τις οικονομικές εξελίξεις του Χόλιγουντ. Όταν η προσπάθειά του από τον θεσπί του τον άφησε σε ανάγκη για χρήματα, πέταξε στο Λος Άντζελες και, μετά από μια περιοδεία στα στούντιο του RKO, υπέγραψε μια συμφωνία δύο εικόνων με τα στελέχη της.
Σίγουρα, ο Welles κατείχε κοινωνικές διακρίσεις της μάρκας Clooney, καθώς ο σκηνοθέτης για πρώτη φορά αποχώρησε με έναν βαρύ προϋπολογισμό, ανεξέλεγκτη αυτονομία σεναριογράφησης και, το χρυσό πρότυπο σκηνοθετικής ισχύος, τα δικαιώματα τελικής περικοπής στην αίθουσα επεξεργασίας. Στην ουσία, τα λαμπρά μυαλά στο RKO εμπιστεύτηκαν αυτόν τον καλλιτέχνη στα μέσα της δεκαετίας του '20 με τα κλειδιά για το βασίλειο.
Συχνά έπαιζε κόλπα στο στούντιο και εργαζόταν όλο το εικοσιτετράωρο, έφτιαξε την ταινία ακριβώς όπως την είχε οραματιστεί. Όχι μόνο το Citizen Kane είναι μια διαρκής εικόνα του vintage Hollywood, θα πρέπει να χαρακτηριστεί ως απόδειξη ότι οι σπουδαίοι σκηνοθέτες αξίζουν πλήρη δημιουργικό έλεγχο. Αν, για κάθε δέκα ματαιωμένες προσπάθειες για το μεγαλείο, το κοινό παίρνει ένα Citizen Kane, τότε ο τζόγος "Διευθυντής του Dictator" χτυπά μακροπρόθεσμα τη γραφειοκρατία του στούντιο.
Είναι μια υπέροχη ζωή (1946)
Αν και συχνά θυμάται ως χριστουγεννιάτικη ταινία, η συγκινητική ταινία του Φράνκ Κάπρα του 1946 είναι ένα δραματικό δράμα στο Santa με επικάλυψη. Σκέψεις αυτοκτονίας, όπως ο George Bailey (James Stewart), δεν είναι θέμα γέλιου. Ίσως αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο οι καλύτερες στιγμές της ταινίας μας θυμίζουν ότι ζούμε πραγματικά μια υπέροχη ζωή.
Είναι το είδος της ταινίας που σε κάνει να θέλεις να αγκαλιάσεις την οικογένειά σου και να επιβραδύνεις τα πράγματα για ένα λεπτό. Ο απεχθής κακοποιός, ο κ. Πότερ (Lionel Barrymore), κάνει το δέρμα σας να σέρνεται με την εγωιστική του σκληρότητα, παρέχοντας σχεδόν ένα κάλεσμα για δράση ενάντια στην κοινωνική τάση προς την απληστία.
Είναι μια υπέροχη ζωή που έχει τις στιγμές του τρόμου, ειδικά όταν ο Τζορτζ Μπέιλι βλέπει πώς θα ήταν η ζωή χωρίς αυτόν. Η Κάπρα σκηνοθετεί αυτές τις ακολουθίες με μια εφιαλτική ποιότητα που στοιχειώνει τόσο εύκολα όσο και οι σκηνές συμφιλίωσης. Δεν μπορεί να δοθεί αρκετή φιλοφρόνηση στον Jimmy Stewart για αυτήν την παράσταση, και μόνο για αυτόν τον λόγο, η ταινία θα πρέπει να παραμείνει εντελώς άθικτη.
6 Cool Hand Luke (1967)
«Αυτό που έχουμε εδώ είναι η αποτυχία επικοινωνίας!» Μιλά λοιπόν ο σαδομαζοχιστικός καπετάνιος (Strother Martin) στο Cool Hand Luke, που απεικονίζει ακριβώς τη διαφορά μεταξύ των αδύναμων ανδρών του ίδιου του και του αδικαιολόγητου πνεύματος ανδρών όπως ο Lucas "Luke" Jackson (Paul Newman). Ο Donn Pearce και ο Frank R. Pierson έγραψαν ένα αεροστεγές σενάριο που προσέφερε στον κ. Newman την περιοδεία του σε μια ασημένια πιατέλα.
Το Cool Hand Luke δεν μπορεί ποτέ να επαναληφθεί επειδή η ταινία καθορίζεται από τον πρωταγωνιστή της. Αυτό το εμπορικό σήμα της αλαζονείας και της βαθιάς κατάθλιψης έκαναν το Newman μπλε μάτια κάτι παράδοξο. Έβγαλε αυτό το δραματικό κοκτέιλ στο The Hustler, μόλις έξι χρόνια πριν, και έκτοτε τελειοποίησε την τέχνη του. Στην ταινία, ο Νιούμαν παίζει έναν κτηνίατρο πολέμου της Κορέας, ο οποίος συνδέεται με μια αλυσίδα συμμοριών για αποκοπή μεθυσμένων μέτρων στάθμευσης.
Τα πράγματα φαίνονται απαίσια για τον Λουκά, αλλά ενώ εκτίει την ποινή του, ανακαλύπτει ξανά την αντοχή του και, μέσω μιας σειράς δίκων στη φυλακή, γίνεται ο πιο σεβαστός άνθρωπος στη φυλακή. Δεν αποτελεί έκπληξη το ότι το Cool Hand Luke έγινε μία από τις πιο σεβαστές ταινίες στην ιστορία.
5 Ο Νονός (1972)
Όποιος ξανακάνει το κλασικό Francis Ford Coppola θα είναι σίγουρα ο αντίχριστος. Οποιαδήποτε απόπειρα επανεμφανίσεως του επικού του Corleone θα ήταν μια ζωντανή προσβολή στον κινηματογράφο, στους Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale και τους αμέτρητους άλλους καλλιτέχνες που πήραν το βιβλίο του Mario Puzo και το μετέτρεψαν σε ένα κομμάτι αγνής ποίησης.
Πώς αρχίζει να περιγράφει τη μεγαλοπρέπεια του κλασικού 1972; Ο τυφλός μπάρδος δεν χρειάστηκε να περιγράψει πολύ την Ελένη της Τροίας. Ήταν τόσο τέλεια. Ο Νονός έχει αφιερωμένο σε αυτό βιβλία λογοτεχνίας, και παρά την κοσμική ανατομή του επικού του γκάνγκστερ στον κόσμο της ταινίας, οι συνομιλίες δεν θα σταματήσουν ποτέ.
Τα θέματα του σεβασμού, της τιμής και της οικογένειας βρίσκονται βαθιά στην τριλογία της Coppola και ενώ πολλοί από τους Corleones έχουν αίμα στα χέρια τους, προσφιλήθηκαν στο κοινό με το πάθος και το πάθος τους για τη ζωή. Οι τιμές παραγωγής είναι υπερβατικές και οι αντιθέσεις μεταξύ χαρακτήρων όπως ο Michael και η Sonny Corleone δημιουργούν μια πραγματικά αστεία ταινία.
4 Ο Πτυχιούχος (1967)
"Κυρία. Ρόμπινσον, προσπαθείς να με αποπλανήσεις. Δεν είσαι; " Ο Mike Nichols γεμίζει τη δεύτερη ταινία του με αρκετές φαλλικές αναφορές και εικόνες για να δικαιολογήσει βαθμολογία R, αλλά η σκηνοθετική πονηριά και η τάξη του απέκτησαν μια φιλική προς τους γονείς PG. Ο πτυχιούχος έγινε ο βασικός άξονας της καριέρας του Nichols και του Dustin Hoffman, με αυτό το ρεύμα σεξουαλικής ανησυχίας και κρίσεων ταυτότητας που ενσαρκώσουν την εποχή.
Σίγουρα, βλέποντας τον Benjamin Braddock (Hoffman) να κοιμάται με την εξαιρετικά σαγηνευτική κυρία Robinson (Anne Bancroft) αποδείχθηκε αμφιλεγόμενη για την εποχή, αλλά έδωσε στο κοινό μια από τις πιο χιουμοριστικές, ενδιαφέρουσες ιστορίες για την ηλικία που γυρίστηκαν. Λαμβάνοντας χώρα στη δεκαετία του 1960, όπου η πυρηνική αμερικανική οικογένεια είχε πολύ λιγότερη σχάση από την ατομική βόμβα, τα στριμωγμένα τρυπήματα του Nichols στην κουλτούρα («πλαστικά») ήταν προχωρημένα, άψογα και απαράμιλλα.
3 On The Waterfront (1954)
Στο Waterfront βασίστηκε σε μια χούφτα άρθρα που δημοσιεύθηκαν το 1949, τα οποία αποκάλυψαν τη βαρβαρότητα και τις διαμάχες μεταξύ του longshoreman του New Jersey, κάνοντας την ταινία μια ευκαιρία μια φορά στη ζωή. Παρέχοντας το απόλυτο βασικό υλικό για μια ταινία, ο δημοσιογράφος Malcolm Johnson έδωσε στη σκηνοθέτη Elia Kazan το είδος των πρώτων υλών και του ρεαλισμού που πάντα προσπαθούσε να βρει.
Ο Καζάν ήταν πασίγνωστος που προκάλεσε μάχες και ανασφάλειες στα σετ του, φωτίζοντας την ασφάλεια για αυτό που ήλπιζε ότι θα ήταν μια έκρηξη βαρελιού σε σκόνη μόλις οι κάμερες άρχισαν να κυλούν. Ο Terry Malloy (ο Μάρλον Μπράντο σε έναν από τους πιο ανθεκτικούς ρόλους του) αντιπροσωπεύει τον αμερικανό εργαζόμενο μπλε κολάρο που είχε μια δόση στη δόξα και έχασε, εξαπατήθηκε σε υποβάθμιση από το διπλό αφεντικό του όχλου Johnny Friendly (Lee J. Cobb, η απόλυτη οθόνη) απειλή).
Τελικά, η ταινία έριξε το επίκεντρο της διαφθοράς που ενσωματώθηκε στο Hoboken Docks και έδωσε στους κινηματογραφιστές ένα κομμάτι ζωής που δεν μπορεί ποτέ να αναπαραχθεί.
2 Λόρενς της Αραβίας (1962)
Ο Peter O'Toole είναι βαρέων βαρών στην ιστορία της ταινίας, και παρόλο που κατά κάποιον τρόπο αποφεύγει την εύνοια της Ακαδημίας και απέτυχε να κερδίσει τον Καλύτερο Ηθοποιό για τον Lawrence of Arabia, η απεικόνιση του TE Lawrence καθόρισε τον ήρωα του Χόλιγουντ. Το O'Toole, λεπτό και μορφωμένο με ένα αγγλικό λόγιο, μετατρέπει τον Λόρενς σε έναν λαμπρό καουμπόη της αραβικής άμμου.
Το επικό του David Lean το 1962 απεικονίζει τον ομώνυμο χαρακτήρα του ως Βρετανού ήρωα που βοήθησε περαιτέρω στην επιτυχία του Union Jack στην αραβική χερσόνησο κατά τον πρώτο παγκόσμιο πόλεμο. Ένας κανονικός Τζον Γουέιν δεν ήταν, ωστόσο, και εκεί ήταν που ο O'Toole βρήκε χώρο για τις πρώτης τάξεως μπριζόλες του. Στην ταινία (που πυροβολήθηκε με έξοχο τρόπο από τον κινηματογράφο Freddie Young), ο ΤΕ Λόρενς εμφανίζεται ως πολεμιστής γεμάτος συνθέσεις, σε σύγκρουση με τις βίαιες και ειρηνικές διακοπές του. Φορά το PTSD της ενοχής του στα μανίκια του με Βεδουίνους, αλλά σε κλασικό αγγλικό στιλ, οι δικές του ανησυχίες δεν τον εμποδίζουν να εκπληρώσει το καθήκον του.
Ο Lawrence του O'Toole παλεύει με τις ευθύνες του, αλλά ποτέ δεν τους καταπίνει. Παράγεται καλά μετά την κυκλοφορία του Gone With the Wind, ο Λόρενς της Αραβίας μπορεί δίκαια να θεωρηθεί επέκταση του επικού του Βίκτωρ Φλέμινγκ, δείχνοντας στο Χόλιγουντ το απεριόριστο δυναμικό της κινηματογραφικής αφήγησης.
1 A Clockwork Orange (1971)
Η αναδημιουργία μιας ταινίας Kubrick θα χρειαζόταν απίστευτο chutzpah. Πώς θα αρχίσει κανείς να έχει πρόσβαση στην επίπονη ιδιαίτερη προσέγγιση του διάσημου σκηνοθέτη στη δημιουργία ταινιών; Ίσως η πιο άθικτη είσοδος στο έργο του είναι το Clockwork Orange, ένα αληθινό ταξίδι κάτω από διανοητικά ασταθή λωρίδα που περιλαμβάνει μια από τις πιο σαδιστικές σκηνές που έχουν τεθεί ποτέ στο αθώο "Singin 'in the Rain". Κακή Gene Kelly.
Ο Άλεξ (Malcolm McDowell) ηγείται της βρετανικής συμμορίας με νέους κοκκόνι που βιάζει και λεηλατεί την πορεία του μέσω μιας ολοένα και πιο σπασμένης κοινωνίας. Είναι μια αναστατωτική και συγκλονιστική ταινία που επιτίθεται στα μάτια, ενώ ρίχνει έντερα στην αίσθηση της ηθικής και του λόγου. Εάν υπάρχει κάποια εικόνα στην ταινία που αποτυπώνει καλύτερα τις δυνατότητες του Kubrick, είναι αναμφίβολα η σκηνή στην οποία ο Άλεξ έχει τα μάτια του ανοιχτά μηχανικά και τροφοδοτεί με δύναμη τις επιθετικές εικόνες που επανασυνδέουν τον εγκέφαλό του.
Ευχαριστώ, Στάνλεϊ.
-
Ορίστε! Ποιες κλασικές ταινίες πιστεύετε ότι πρέπει να εξαιρούνται από το ριμέικ του Χόλιγουντ; Ενημερώστε μας στα σχόλια παρακάτω!