«Ο χρόνος κάνει τους ανόητους», είπε ο μαθηματικός Eric Bell. Είναι ένα απόσπασμα που πιθανότατα έχετε κάνει μερικές φορές, συνήθως όταν κάποιος θρηνεί την απώλεια των παλιών καιρών ή κάποιων τρεχουσών συνθηκών. Είναι ένα καταθλιπτικό ρητό που γίνεται ακόμη πιο τραγικό από το πόσο αληθινό αποδεικνύεται συχνά. Οι οπαδοί του κινηματογράφου το γνωρίζουν καλά. Συχνά, θυμόμαστε ότι κάποια παλαιότερη ταινία από τη νεολαία μας ήταν υπέροχη ή ακούσαμε για μια παλαιότερη ταινία που έχει θεωρηθεί κλασική και είμαστε απογοητευμένοι όταν το ελέγξουμε τώρα για τον εαυτό μας και ανακαλύπτουμε ότι δεν έχει επιζήσει από τη δοκιμασία του χρόνου.
Το μέρος αυτού του αποσπάσματος που τείνει να αποκοπεί είναι "Η μόνη μας άνεση είναι ότι θα έρθει μετά από μας μεγαλύτερη". Είναι δελεαστικό, κατά καιρούς, να υπερασπιστεί τις κλασικές ταινίες με την πάροδο των ετών ως άψογα παραδείγματα για το ποιες ταινίες είναι ικανές στην καλύτερη περίπτωση. Τους βάζουμε σε ένα βάθρο τόσο ψηλό που έχουμε την πρόθεση να τα κοιτάζουμε για πάντα, χωρίς να φτάσουμε ποτέ στα απίθανα ψηλά ύψη τους. Η αλήθεια του θέματος είναι ότι ο χρόνος μπορεί να κάνει ανόητους ακόμη και τις μεγαλύτερες ταινίες (για να μην αναφέρουμε πιο μοντέρνα blockbusters). Αντί να το αγνοήσετε, ίσως είναι καλύτερο να θυμάστε ότι ανοίγει το δρόμο για μεγαλύτερα πράγματα να έρθουν.
Ακολουθεί το Screen Rant για τις 15 κλασικές ταινίες που έχουν περάσει άσχημα.
15 Μέσες Οδοί (1973)
Ο αγαπημένος κριτικός ταινιών Roger Ebert κάποτε αναφερόταν στο Mean Streets ως «ένα από τα βασικά σημεία των σύγχρονων ταινιών». Πολλοί οπαδοί, ωστόσο, απλά επιλέγουν να το θυμούνται ως την πρώτη αληθινή ταινία του Martin Scorsese. Αν και αυτό δεν είναι ακριβές χρονολογικά, είναι ακριβές πνευματικά. Αυτή είναι η ταινία που καθιέρωσε την αγάπη του Σκορσέζε για την ακατέργαστη γλώσσα (έθεσε ρεκόρ για τις περισσότερες χρήσεις της λέξης F), ρεαλιστικές απεικονίσεις εγκλήματος στην πόλη και χρήση μουσικής με άδεια για τη σκηνή. Είναι ένα στυλ που ο Σκορσέζος και πολλοί άλλοι σκηνοθέτες συνέχισαν να μιμούνται και να τελειοποιούν όλα αυτά τα χρόνια.
Αυτό είναι μέρος του προβλήματος με το Mean Streets. Είναι ένα πρόχειρο σχέδιο που θα επεξεργαζόταν από πολλούς μεγάλους οραματιστές (κυρίως ο ίδιος ο Σκορσέζε) έως ότου έγινε διαχρονικό αριστούργημα σε ταινίες όπως ο Goodfellas. Υπάρχουν αγαπημένες περιπτώσεις ερασιτεχνικής δημιουργίας ταινιών στο Mean Streets (σκηνές μάχης που δεν αισθάνονται χορογραφίες), αλλά μεγάλο μέρος της ταινίας αισθάνεται ατημέλητη και όχι ωμή. Το Taxi Driver, μια ταινία Scorsese που κυκλοφόρησε μόλις τρία χρόνια μετά το Mean Streets, δεν έχει χάσει τίποτα από την πάροδο του χρόνου. Είναι δύσκολο να πούμε το ίδιο για αυτήν την ταινία που κάποτε ήταν εύκολο να επαινέσω ότι ήταν διαφορετική ταινία εγκληματικότητας.
14 Τα πουλιά (1963)
Η συντριπτική πλειοψηφία των κλασικών ταινιών Hitchcock έχουν ηλικία απίστευτα καλά. Είναι πραγματικά τρομακτικό πώς ταινίες όπως το Rear Window, το Vertigo και το North By Northwest εξακολουθούν να έχουν λίγα σύγχρονα κινηματογραφικά ίσα. Το σπουδαίο πράγμα για τις καλύτερες ταινίες του Χίτσκοκ είναι ότι έχουν έναν τρόπο να σας βυθίσουν εντελώς στον κόσμο τους. Ο Χίτσκοκ χρησιμοποίησε τη φωτογραφική του μηχανή σαν μια βούρτσα ζωγράφου, για να περιγράψει προσεκτικά κάθε ίντσα κάθε πλαισίου. Είναι αυτό το επίπεδο ελέγχου που τον βοήθησε να γίνει «Ο Δάσκαλος του Suspense».
Λίγες από αυτές τις διαχρονικές ιδιότητες εμφανίζονται στο The Birds. Υπάρχουν μερικές στιγμές ομορφιάς δημιουργίας ταινιών στο The Birds, αλλά αυτό είναι το Hitchcock στο πιο αδιάφορο του (που δεν είναι τόσο προσβολή όσο νομίζετε ότι είναι). Τόσο μεγάλο μέρος του αρχικού επαίνου που έλαβε αυτή η ταινία είχε να κάνει με τα ειδικά εφέ της ταινίας. Τώρα που αυτά τα φαινόμενα είναι τόσο ξεπερασμένα, καθίσταται πολύ πιο δύσκολο να αγοράσετε πραγματικά σε ολόκληρη την υπόθεση «τα πουλιά αποφασίζουν να αρχίσουν να επιτίθενται σε ανθρώπους». Λαμβάνοντας υπόψη το πόσο χιλιόμετρα προσπαθεί να ξεφύγει από την υπόθεση, αυτό είναι ένα πρόβλημα. Όσον αφορά τη μακροπρόθεσμη αποτελεσματικότητα, αυτό δεν κρατά ένα κερί στην προηγούμενη προσπάθεια του Hitchcock, Psycho.
13 Πρωινό στο Tiffany's (1961)
Είναι αρκετά εύκολο να δούμε τι είδαν οι άνθρωποι στο Breakfast At Tiffany's όταν κυκλοφόρησε για πρώτη φορά το 1961. Ήταν μια προσαρμογή ενός επιτυχημένου μυθιστορήματος, πρωταγωνίστησε την ασύγκριτη Audrey Hepburn σε έναν εικονικό ρόλο και η ταινία γυρίστηκε απίστευτα καλά (η καλύτερη καλλιτεχνική κατεύθυνση Ο Oscar αξίζει τον κόπο). Ήταν μια ρομαντική κωμωδία στο πνεύμα των κλασικών ταινιών όπως το It Happened One Night, αλλά με αρκετή μοντέρνα συνάφεια για να της δώσει πλεονέκτημα. Παρακολουθήστε την ταινία τώρα, και πιθανότατα θα επικεντρωθείτε σε μερικά πράγματα που το κοινό τότε δεν το έκανε.
Το πιο αξιοσημείωτο από αυτές τις σύγχρονες αποκαλύψεις είναι ο τρομερά ρατσιστικός ρόλος του κ. Yunioshi, όπως έπαιξε ο Mickey Rooney. Είναι μια ανωμαλία της ταινίας στο ότι είναι μια απεικόνιση που είναι τόσο εμφανώς ρατσιστική που ξεπερνά σχεδόν τον ρατσισμό. Κοιτάζοντας πέρα από αυτά τα ξεκάθαρα στοιχεία, έχετε ακόμα μια ταινία που δεν μπορεί να βρει το νόημά της. Το πρωινό του Truman Capote At Tiffany's είπε την θλιβερή ιστορία ενός νεαρού κοριτσιού που προσπαθεί να βρει το δρόμο της σε μια δύσκολη πόλη. Η μεγαλύτερη αμαρτία της ταινίας είναι ότι «Χόλιγουντ» τόσα πολλά από τα πρωτότυπα στοιχεία της ιστορίας με τρόπο που το σύγχρονο κοινό δαιμονοποιεί συχνά στούντιο.
12 Σάββατο βράδυ πυρετός (1977)
"Αλλά το Saturday Night Fever είναι ένα στιγμιότυπο της δεκαετίας του '70!" μπορεί να λέτε. Εάν ναι, σίγουρα δεν κάνετε λάθος. Η ταινία του Τζον Μπάνταμ το 1977 για ένα παιδί από το Μπρούκλιν που ονομάζεται Τόνι προσπαθεί να περάσει καλά και ίσως να βρει μια μικρή φήμη ως ο καλύτερος χορευτής στη γωνιά του κόσμου σίγουρα καταγράφει το πνεύμα της δεκαετίας του '70. Η μόδα της ταινίας είναι συνήθως αυτό που πολλοί άνθρωποι σκέφτονται όταν προσπαθούν να απεικονίσουν τη νεολαία αυτής της περιόδου. Είναι soundtrack για πάντα αθάνατο το Bee Gees και άλλους θρύλους ντίσκο, οι σκηνές χορού είναι υπέροχες, η ατμόσφαιρα είναι ζωντανή και η κατεύθυνση είναι αρκετά επίκαιρη.
Ο λόγος που χρονολογείται το Saturday Night Fever δεν έχει καμία σχέση με τη μουσική ή τη μόδα και έχει να κάνει με τους χαρακτήρες. Ο Τόνι περιγράφεται γενναιόδωρα ως meathead. Έχει ένα μονόδρομο μυαλό που συνήθως τον οδηγεί να προσπαθεί να κάνει όσο το δυνατόν περισσότερο σεξ ή αλλιώς να ανεβάζει άσκοπη κόλαση. Σε αυτήν την εποχή της επιδημίας πριν από το AIDS, αυτό θα ήταν πιο εύκολο να το καταπιεί, αλλά οι αδιάκριτες περιπέτειες άλφα ανδρών του Τόνι και η ομάδα του με κεφάλια, φίλους που αναζητούν συγκίνηση είναι άξια σήμερα. Ο απόπειρα βιασμού της Στέφανι από τον Τόνι μετά από ένα διαγωνισμό χορού είναι πιθανότατα η στιγμή που οι σύγχρονοι θεατές επιλέγουν απλά να προχωρήσουν σε κάτι άλλο.
11 μάρτυρας για τη δίωξη (1957)
Το Witness For The Prosecution σίγουρα δεν ήταν η πρώτη δραματική ταινία του δικαστηρίου, αλλά είναι εύκολο να εντοπίσουμε το είδος καθώς το ξέρουμε τώρα πίσω στις επιρροές αυτής της ταινίας. Είναι η ιστορία ενός άνδρα που κατηγορείται για δολοφονία παρά τα βαριά περιστατικά της υπόθεσης. Τα πράγματα φτάνουν σε σημείο όπου τόσο η εισαγγελία όσο και η υπεράσπιση συνειδητοποιούν ότι ολόκληρη η υπόθεση μπορεί να εξαρτάται από την κατάθεση της συζύγου του εναγομένου. Το υπόλοιπο της ιστορίας διαδραματίζεται μέσα από μια σειρά ανατροπών, το είδος που συνήθως συνδέουμε με τέτοια επικά δικαστήρια.
Καθώς τόσο καινοτόμος όσο η ταινία ήταν από αυτή την άποψη, αποκαλύπτει επίσης την ηλικία της για το πώς παίζουν αυτές οι στιγμές. Τα γεγονότα της δίκης προορίζονται να σοκάρουν και να εκπλήξουν τους θεατές, αλλά μεγάλο μέρος του σοκ έχει αραιωθεί με την πάροδο των ετών από τη φύση της βανίλιας της ίδιας της υπόθεσης. Λαμβάνοντας υπόψη μερικές από τις τραγωδίες που ακούμε καθημερινά, ο φόνος μιας ηλικιωμένης πλούσιας γυναίκας μόλις καταγράφεται. Σίγουρα δεν βοηθά ότι μερικές από τις πιο σημαντικές στιγμές της ταινίας παραδίδονται με απίστευτα ζαμπόν τρόπο. Στην πραγματικότητα, η κραυγή της Marlene Dietrich για το "Damn You!" είναι εκεί εκεί με το "Όχι!" του Darth Vader όσον αφορά τις δραματικές παραδόσεις έγιναν κωμικές. Ας ελπίσουμε ότι το επερχόμενο remake (πιθανότατα σκηνοθετείται από τον Ben Affleck) έχει μεγαλύτερο βάρος στα επόμενα χρόνια.
10 επαναστάτης χωρίς αιτία (1955)
Σε μια εποχή που οι Αμερικανοί μόλις άρχισαν να συνειδητοποιούν την έννοια ότι οι έφηβοι είναι η δική τους εφηβική ομάδα, ο επαναστάτης χωρίς αιτία ήρθε και προσπάθησε να προσελκύσει αυτό το αναπτυσσόμενο δημογραφικό. Αυτή ήταν η ταινία που υποσχέθηκε να λάμψει επιτέλους σε αυτήν την παρανοημένη γενιά. Εξαιτίας αυτού, προσέλκυσε ίσες αντιπαραθέσεις και επαίνους. Ολόκληρα έθνη φοβόταν τη δύναμή του να υποκινήσει την εφηβική εξέγερση. Άλλοι το χαιρέτισαν απλώς ως επανάσταση.
Σήμερα, είναι πολύ πιο εύκολο να αντιμετωπίζετε την ταινία ως παρωδία της εποχής της. Στην πραγματικότητα, υπάρχουν πολλές πτυχές αυτής της ταινίας που έχουν γίνει παρωδίες. Οι συμμορίες over-the-top (είμαστε ένας αριθμός χορού μακριά από το West Side Story σε αυτό), η ηθοποιός over-the-top (ο James Dean «Με χωρίζεις!» Ήταν η έμπνευση για την παράδοση του δωματίου της ίδιας γραμμής), και η παραγωγική χρήση των παλαιότερων ηθοποιών που παίζουν εφήβους αξίζουν όλα ένα σταθερό παιχνίδι. Σχεδόν όλα σε αυτήν την ταινία σχεδιάστηκαν για να προκαλέσουν μια συναισθηματική αντίδραση από το κοινό της εποχής. Τώρα, αυτή η ακούσια κωμωδία είναι πιο πιθανό να δημιουργήσει γέλια.
9 True Grit (1969)
Το True Grit βρίσκεται σε ένα περίεργο μέρος, ιστορικά μιλώντας. Κυκλοφόρησε το 1969, τρία χρόνια μετά τους The Good, The Bad και The Ugly και την ίδια χρονιά με τους Butch Cassidy and the Sundance Kid. Εν ολίγοις, βγήκε σε μια εποχή που η δυτική ταινία άρχισε να παίρνει λίγο πιο γλυκό. Παρά το όνομά του, το True Grit δεν προσπαθεί πραγματικά να εκμεταλλευτεί αυτό το αναδυόμενο νέο στυλ. Είναι ένα κλασικό είδος της Western που κυκλοφόρησε σε μια εποχή που το είδος ωριμάζει.
Αυτός είναι ένας από τους λόγους για τους οποίους η ταινία είναι λίγο πιο δύσκολο να ληφθεί αυτές τις μέρες. Δεν έχει την αφιλτράριστη αθώα γοητεία των πρώτων Δυτικών και στερείται επίσης τη σκοτεινή ωριμότητα ορισμένων από τους συγχρόνους. Ο παλιός τρόπος με τον οποίο η ταινία χαρακτηρίζει τόσο πολύ τον Τζον Γουέιν γίνεται επίσης θέμα. Η απόδοσή του είναι σίγουρα μαγνητική, αλλά κοστίζει σχεδόν όλους τους άλλους. Σε αντίθεση με την έκδοση της ταινίας του Coen Brother, η οποία απεικονίζει τους υποστηρικτές ήρωες ως ίσες, η έκδοση του 1969 είναι σαφώς η παράσταση John Wayne. Πρόκειται για μια ξεπερασμένη ηγετική νοοτροπία που κάνει ορισμένους υποστηρικτικούς ρόλους (ιδιαίτερα το La Boeuf του Glen Campbell) σχεδόν αφόρητο.
8 Μια υπόθεση που πρέπει να θυμάστε (1957)
Μια υπόθεση που πρέπει να θυμάστε ξεκινά με μια σχετικά απλή υπόθεση. Ο Nickie Ferrante (Cary Grant) τρέχει απέναντι από τον Terry McKay (Deborah Kerr) από μια περίπτωση. Και οι δύο βρίσκονται σε σχέσεις, αλλά σαφώς προσελκύονται μεταξύ τους. Ως εκ τούτου, συμφωνούν να συναντηθούν ξανά σε έξι μήνες στο Empire State Building για να δουν πού στέκονται στη ζωή. Σε μια συγκλονιστική ανατροπή γεγονότων, ο Terry χτυπιέται από ένα αυτοκίνητο στο δρόμο προς το Empire State Building. Ως εκ τούτου, δεν κάνει τη συνάντηση και δεν σχεδιάζει να συναντηθεί ξανά με την Nickie.
Εδώ ξεκινά η ίδια η ταινία. Το Affair to Remember είναι στην πραγματικότητα ένα remake μιας ταινίας του 1939 που ονομάζεται Love Affair, η οποία γίνεται προφανής καθώς αρχίζετε να υποφέρετε μια σειρά από τυροκομικές ρομαντικές γραμμές, όπως "Ο χειμώνας πρέπει να είναι κρύος για όσους δεν έχουν ζεστές αναμνήσεις" και "Εάν είχε να συμβεί σε έναν από εμάς, γιατί δεν θα ήμουν εγώ; " Αυτό το ακραίο επίπεδο ευτυχίας μειώνει μια προϋπόθεση που ήταν ήδη σε ασταθές έδαφος με το "Μπορεί ένας άντρας να αγαπήσει πραγματικά μια γυναίκα σε αναπηρική καρέκλα;" οικόπεδο.
7 Ο Ήχος της Μουσικής (1965)
Υπάρχει κάτι σαν σκληρή βαθμολογία G; Εάν ναι, τότε το Sound of Music το κερδίζει. Πρώτα απ 'όλα, ας είμαστε ξεκάθαροι ότι τα αθώα μιούζικαλ των εποχών που πέρασαν δεν γερνούν αυτόματα. Η Mary Poppins, για παράδειγμα, είναι ακόμα μια πολύ έξυπνη και καλοφτιαγμένη οικογενειακή ταινία. Το Singin 'in the Rain είναι επίσης μια εξαιρετικά λαμπρή ταινία για έναν μεταβατικό χρόνο στη δημιουργία ταινιών που τυχαίνει να είναι μουσικό. Ο ήχος της μουσικής, ωστόσο, είναι μιούζικαλ για να είναι μουσικός.
Από την άποψη της παραγωγής, οι σαρωτικές εικόνες της υπαίθρου που εμφανίζονται πάντα όταν επισημαίνεται η ταινία εξακολουθούν να είναι εντυπωσιακές. Αυτό που συνήθως δεν εμφανίζεται σε αυτούς τους κυλιόμενους τροχούς, ωστόσο, είναι οι σχεδόν τρεις ώρες άσκοπης κουρδίσματος και οι επιμήκεις μουσικοί αριθμοί που έχουν σχεδιαστεί για να προσελκύουν μόνο τους τραγουδιστές. Η ταινία είναι πολύ προϊόν της εποχής της με την έννοια ότι παρουσιάζεται ως ένδοξο αφιέρωμα στο πολύ δημοφιλές μουσικό είδος ζωντανής δράσης. Αυτό λειτούργησε αρκετά καλά για το κοινό το 1965, αλλά το 2016, όσοι θέλουν να παρακολουθήσουν μια υπέροχη μουσική του Χόλιγουντ θα βρουν πολλές εναλλακτικές λύσεις που έχουν πολύ περισσότερο αφηγηματικό σκοπό. Τα καλύτερα μέρη αυτού μπορούν να ακουστούν στο επίσημο soundtrack.
6 Η Γέννηση ενός Έθνους (1915)
Υπάρχουν δύο ξεχωριστές απόψεις όσον αφορά το The Birth of a Nation του DW Griffith. Το πρώτο είναι ότι η ταινία είναι αναμφισβήτητα η πιο σημαντική ταινία στην ιστορία της κινηματογραφικής παραγωγής. Όποιος έχει συμμετάσχει σε μια σχολική τάξη έχει ακούσει αυτήν την προοπτική. Για μια ταινία που έγινε το 1915, το The Birth of a Nation μοιάζει σχεδόν ότι θα μπορούσε να γυριστεί τα τελευταία 10 χρόνια. Η άλλη άποψη αναγνωρίζει κατάλληλα αυτήν την ταινία ως μία από τις πιο εμφανώς ρατσιστικές ταινίες που έχουν γίνει ποτέ. Αυτό πιθανότατα έχει να κάνει με το γεγονός ότι απεικονίζει τον Ku Klux Klan ως σχεδόν άχρωμους ήρωες.
Με την πάροδο του χρόνου, η διαμάχη αρχίζει να ξεπερνά κατά πολύ το κινηματογραφικό ίχνος της ταινίας. Δεν είναι εύκολο να παρακολουθήσετε το Birth of a Nation και να ξεπεράσετε τα πιο χρονολογημένα κοινωνικά του στοιχεία. Είναι ένα εμπόδιο που δεν γίνεται πολύ πιο εύκολο να ξεκαθαριστεί όταν συνειδητοποιήσετε ότι αυτή η ταινία οδήγησε σε νέο ενδιαφέρον για τη συμμετοχή στο KKK και είχε αρχικά τίτλο The Clansman. Η παραγωγική χρήση του blackface σε όλη την ταινία είναι το τελευταίο καρφί στο φέρετρο.
5 Easy Rider (1969)
Δεν μπορείτε να υπερεκτιμήσετε τον αντίκτυπο που είχε ο Easy Rider στην αμερικανική παραγωγή ταινιών. Είναι σωστά αναγνωρισμένη ως η ταινία που βοήθησε να ξεκινήσει αυτό που συνήθως αναφέρεται ως η εποχή του Νέου Χόλιγουντ. Αυτή η εποχή χαρακτηρίζεται από την προθυμία των στούντιο να αφήσουν τους Αμερικανούς σκηνοθέτες να αναλάβουν ρόλο auteur και να έχουν δημιουργικό έλεγχο των δικών τους ταινιών. Κοινωνικά, η ταινία μίλησε για μια γενιά Αμερικανών που ζούσαν μέσα σε ένα μεταβαλλόμενο πολιτιστικό κλίμα. Αγκάλιασε τη γοητεία του ανοιχτού δρόμου ενώ αντιμετώπιζε τη φρίκη ορισμένων πολιτιστικών κανόνων.
Ακριβώς επειδή η ταινία είναι σημαντική δεν σημαίνει ότι έχει αναγκαστικά ωριμάσει, φυσικά. Υπάρχουν προβλήματα με αυτήν την ταινία από τεχνική άποψη (κυρίως σε σχέση με τη δομή της ιστορίας), αλλά το πραγματικό πρόβλημα είναι το μήνυμα του Easy Rider. Τα αντικουλτούρα του θέματα αντηχούν εύκολα με μια γενιά που πέρασε που σπάνια μίλησαν από ταινίες, αλλά οι περιπέτειες του Wyatt και του Billy πιθανότατα θα συναντηθούν ως εγωιστές και ρηχές όταν προβληθούν σε ένα σύγχρονο φως. Αυτή η ταινία κάποτε μίλησε με ανθρώπους. Τώρα τους φωνάζει με μια κουρασμένη ρητορική.
4 Bonnie και Clyde (1967)
Για να είμαστε δίκαιοι, υπήρχαν αρκετοί άνθρωποι που δεν ήταν πολύ τρελοί για τους Bonnie και Clyde κατά την κυκλοφορία του. Εκείνοι που δεν τους άρεσε η ταινία ανέφεραν συχνά τη βία και το σεξουαλικό της περιεχόμενο ως τον λόγο πίσω από τη δυσαρέσκεια τους. Αυτή ήταν μια από τις πρώτες σημαντικές κυκλοφορίες στην αμερικανική ιστορία του κινηματογράφου που πραγματικά εντυπωσιάζει τη βία, μη αποφεύγοντας την πλήρη παρουσίασή της. Τα Squibs χρησιμοποιήθηκαν αρκετά ελεύθερα για εφέ πυροβολισμού. Επίσης, δεν είχε καμία αμφιβολία σχετικά με την αναπαραγωγή της υψηλής σεξουαλικής σχέσης μεταξύ των πρωταγωνιστών της. Στο τέλος, ωστόσο, η ταινία αναγνωρίστηκε ως μια ιστορικά σημαντική κυκλοφορία που άλλαξε τον τρόπο με τον οποίο οι αμερικανικές ταινίες απεικονίζουν τη βία.
Έκτοτε, μια πληθώρα ταινιών έχουν έρθει, οι οποίες κάνουν τη βία των Bonnie και Clyde να μοιάζει με κινούμενα σχέδια το Σάββατο το πρωί. Θα ήταν σχεδόν αδύνατο για όποιον παρακολουθούσε σταθερά ταινίες των τελευταίων 20-30 ετών να παρακολουθήσει τον Bonnie και τον Clyde και να νιώσει σοκαρισμένος από οτιδήποτε είδαν. Χωρίς την ίδια συναισθηματική αντίδραση που δημιουργήθηκε από την ταινία, οι Bonnie και Clyde γίνονται πολύ πιο αξιοσημείωτες για την συχνά περίεργη παρουσίαση και την ατημέλητη αφήγηση. Αποτελεί μια πολύ διασκεδαστική κίνηση, αλλά όχι μια ταινία που θα ήταν ένα βραβείο αγαπημένο από τα σημερινά πρότυπα (ήταν υποψήφιο για 10 Όσκαρ πίσω όταν).
3 Η πανύψηλη κόλαση (1974)
Τη στιγμή της κυκλοφορίας του, το The Towering Inferno ήταν μια πολύ καλή ιδέα για μια μεγάλη κινηματογραφική ταινία. Ακολουθώντας τα βήματα του The Poseidon Adventure, αυτή η ταινία περιείχε τόσα αστέρια όσο το στούντιο μπορούσε να αντέξει σε ένα κτίριο που έχει φωτιά και καταρρέει γρήγορα. Ήταν μια ταινία καταστροφής προτού αυτός ο τίτλος εφαρμοστεί απαραίτητα στο είδος και το κοινό προσελκύθηκε από την αστέρι και το θέαμα της. Είναι στην πραγματικότητα ένας πρόδρομος του σύγχρονου blockbuster με αυτόν τον τρόπο.
Υπήρξαν πολλά blockbusters τα χρόνια που δεν έχουν γεράσει καλά, αλλά το The Towering Inferno ξεχωρίζει με δύο τρόπους. Πρώτα απ 'όλα, ενώ ο Paul Newman και ο Steve McQueen είναι πάντα σημαντικές κληρώσεις, η αστέρια της ταινίας δεν θα ξεπεράσει τις γενιές αν δεν θέλατε πάντα να βλέπετε τον Fred Astaire και τον OJ Simpson στην ίδια ταινία. Αεροπλάνο! Η ειδική ανατομή αυτού του υπο-είδους δεν έκανε τις δραματικές στιγμές αυτής της ταινίας. Κάποιος μπορεί να πάρει μόνο τόσα πολλά "Σε περίπτωση που δεν σε ξαναβλέπω" τελικά φιλιά και "Πάρτε κοντά σας γυναίκα!" στιγμές πριν συνειδητοποιήσετε ότι αυτό ήταν σίγουρα το προϊόν μιας διαφορετικής εποχής.
2 σούπα πάπιας (1933)
Μπορεί να πιστεύετε ότι οι ταινίες από τη δεκαετία του '20 και του '30 είναι απλές επιλογές. Πόσα πράγματα γερνούν πραγματικά μετά από σχεδόν 100 χρόνια; Υπάρχουν πραγματικά αρκετές ταινίες από εκείνη την περίοδο που εξακολουθούν να είναι σχετικές σήμερα. Τα έργα του Τσάρλι Τσάπλιν, για παράδειγμα, είναι αξιοσημείωτα για το χιούμορ τους και το εκπληκτικό συναισθηματικό βάθος. Το ίδιο δεν μπορεί εύκολα να ειπωθεί για τους The Marx Brothers. Οι Harpo, Groucho, Gummo και Zeppo Marx ήταν μια κωμική ομάδα που κάποτε ήταν τοστ του πρώιμου κινηματογράφου. Ενώ είχαν πολλές δημοφιλείς ταινίες, λίγες έχουν γίνει τόσο σημαντικές όσο η Duck Soup του 1933.
Το να βλέπεις το Duck Soup τώρα είναι περίπου το ίδιο με το να βλέπεις έναν αστείο κωμικών μετά από αστείο στο κοινό. Ένα ζευγάρι μπορεί να προσγειωθεί, αλλά είναι περισσότερο θέμα καθαρού όγκου παρά καλό χιούμορ. Αυτό το στυλ είναι σίγουρα χρονολογημένο από μόνο του, και η Duck Soup δεν βοηθά τον σκοπό της εστιάζοντας στο πολιτικό χιούμορ. Όχι μόνο πολλές από τις αναφορές της ταινίας θα πετάξουν στο κεφάλι του μέσου σύγχρονου θεατή, αλλά αυτό σημαίνει ότι ακόμη και τα καλύτερα αστεία συναντώνται όπως εκείνα τα παλιά πολιτικά κινούμενα σχέδια όπου το αστείο είναι σαφώς επισημασμένο, για να αποφευχθεί οποιαδήποτε πιθανή σύγχυση.
1 πήγε με τον άνεμο (1939)
Το Gone With The Wind είναι τόσο συνώνυμο με τις κλασικές ταινίες που πλησιάζει το status meme. Για παράδειγμα, εάν τρώτε ένα καλό χοτ ντογκ, μπορείτε να πείτε "Αυτό ήταν το Gone With The Wind των χοτ ντογκ." (Λοιπόν, ίσως.) Είναι μια επική ταινία με την πραγματική έννοια της λέξης. Εκτείνοντας πολλές περίτεχνες τοποθεσίες και παρουσιάστηκε σε υπέροχο χρώμα, αυτή η ταινία δημιουργήθηκε με συγκλονιστικό 3,85 εκατομμύρια δολάρια (περίπου 66 εκατομμύρια δολάρια σήμερα) και σχεδόν κάθε δολάριο αυτού του προϋπολογισμού εμφανίζεται στην οθόνη. Έθεσε ένα πρότυπο παραγωγής που δεν θα ισούται για τα επόμενα χρόνια.
Είναι επίσης αρκετά ξεπερασμένο από πολλές απόψεις. Από την άποψη της δημιουργίας ταινιών, οι σκηνές και οι υπερβολικά δραματικές παραστάσεις δεν είναι πλέον τόσο εύπεπτες όσο ήταν κάποτε. Έχετε επίσης πολλές ατυχείς στιγμές πολιτικών μηνυμάτων προς τα πίσω. Gone With The Wind Η απεικόνιση της δουλείας και του «Παλιού Νότου» γενικά ρομαντικοποιείται συχνά οδυνηρά. Υπάρχει επίσης το ζήτημα της σκηνής που περιλαμβάνει τον Rhett να αναγκάζει τον εαυτό του στο Scarlett για να δώσει εδώ «τι έρχεται σε αυτήν». Κάποτε, αυτό πέρασε ως κινηματογραφικό ρομαντισμό, αλλά τώρα, αναφέρεται πιο συχνά ως βιασμός. Η εξήγηση του Rhett ότι Οι ενέργειές του ήταν δικαιολογημένες, επειδή είχε πολύ να πιει σίγουρα δεν ανακουφίζει το πρόβλημα.
---
Ποια άλλα κινηματογραφικά κλασικά πιστεύετε ότι έχουν ηλικιωθεί άσχημα; Ενημερώστε μας στα σχόλια.